Muerte y sexo: Las 10 mejores películas de Woody Allen

Esto no será sencillo para nadie. Ni para mí, ni para vos, ni para Woody. Pero algunas listas son necesarias, en especial cuando hablamos de uno de los directores de cine más prolíficos que han pisado la faz de la tierra. Evadamos la primer tentación y evitemos un acercamiento cronológico. Nada nace perfecto y ni siquiera Neo pudo saltar de un edificio a otro en el primer intento. Y si bien, podemos dar garantías de que Woody no falla (siempre habrá perlas a descubrir en sus películas) también podemos notar que la profundidad del drama y de los conceptos oscilan como la marea.

El estilo se construyó film a film, pero sobre cimientos firmes. Allen no se ha adaptado al paso del tiempo, sus historias son narradas ahora como hace cuarenta años. El énfasis está en el diálogo, en las referencias ocurrentes, en la profundidad metafísica. La cinematografía es la de un intelectual, un observador etnográfico atento al drama neurótico humano. La voz recuerda siempre el diván del psicólogo, como si éste fuésemos nosotros y Allen el paciente.

La idea detrás de esta selección: el ranking, la lista, el top ten, lo mejor de Woody Allen, es colaborar con ustedes para un paseo más ameno. Los tops son siempre consideraciones narcisistas; lo reconozco. Yo, yo, yo, yo, todo yo, todo yo. Cómo si el cine de Woody Allen se tratará de mí. Creo que de alguna forma patética y maniático-fatalista se trata de todos. Sus temas no son sólo del manual freudiano de psicoanálisis, no todo es Fitzgerald o Kierkegaard, no son solo museos y galerías de arte, hay algo allí detrás con lo que todos podemos sentirnos identificados.

Primero está la muerte. Luego el sexo, no desde la seducción, sino desde el trauma y la confusión. Está la infidelidad, siempre propensa, es el conflicto que emerge en todas las relaciones. Y por último, el trabajo. Este último aspecto está explicado en el film Anithing Else (2003): “Dobel (Woody Allen) dice que el trabajo da la ilusión de sentido y el sexo da la ilusión de continuidad”. Entendemos entonces que Woody haga una película por año, así sobrevive en una existencia sin-dios ni propósito.

Abróchense el cinturón y no saquen las manos por las ventanillas, vamos con las diez películas, las mejores, más importantes, de Woody Allen.

10-Disparos sobre Broadway (1994)
“Bullets Over Broadway”

 

David (John Cusack) consigue financiación para realizar su obra de teatro en Broadway a través de un mafioso, Nick Valenti (Joe Viterelli) con la condición de que su mujer Olive Neal (Jennifer Tilly) actúe en ella. Cheech (Chazz Palminteri) es el guardaespalda de Olive. Cheech va a todos los ensayos, y como todo gangster considera el drama como una práctica de afeminados y mujeres, sin embargo en un momento de absoluto tedio le hace un comentario a David de cómo debería modificar la obra. El comentario es excelente y David recurre constantemente a Cheech para corregir la obra hasta que esta le pertenece casi por completo al gangster, que por cierto decide que Olive no sabe actuar y hay que deshacerse de ella.
Este film, es uno de los que más nominaciones a recibido, claro que no lo consideramos en nuestra lista por eso. Lo brillante es ver la brutalidad del gangster en el escenario, y como este representa una bocanada de aire en un ambiente teatral asfixiado.

9-Zelig (1983)

 

Un falso documental, un mockumentary, que retrata la vida de Leonard Zelig, un hombre con el extraordinario don (u horrible maldición) de transformarse en las personas que lo rodean. Si está con chinos empezará a transformarse en un chino, si está con negros empezará a volverse negro y así. En un sentido bastante evidente la película satiriza el esfuerzo delirante que solemos hacer al querer caerle bien a los demás sacrificando todo lo que somos. Un dato interesante es el esfuerzo de producción que para darle autenticidad al film utilizó lentes, cámara y registro sonoro de la década del 20. Zelig es el producto acabado del estilo con el que Allen comenzó su carrera, narración fragmentada, antología de sketches, humor enciclopédico, etc. Take the Money and Run (1969), Bananas (1971), Everything You Always Wanted to Know About Sex * But Were Afraid to Ask (1972), Sleeper (1973) y Love and Death (1975) son la comedia joven, los early films, con Zelig Allen nos avisa que no se adapta, no cambia, basta de querer gustar, de hacer para los demás, ya conoce su cine, lo demás es la declaración definitiva de su estilo.

8-Manhattan (1979)

 

Manhattan es el fin de la inocencia. Allen había adquirido una visión dramática adulta en sus últimos films que lo alejaban de la comedia académico-sexual que lo consagraron en el show biz. Manhattan, Annie Hall (1977) e Interiors (1978) se inscriben en nueva etapa más adulta, donde las emociones son mas complejas y las relaciones más complicadas. Este período, los serious films (películas serias), desató la ira de la crítica, la cual se empeñó en regresar a Allen a la parodia que tan bien sabe, no le perdonaron el tono serio de su nuevo cine, querían de regreso al payaso. Encabezando este movimiento se encuentra Joan Didion y su crítica despiadada en Letter from “Manhattan”. Este artículo afectó a Woody Allen, su respuesta fue el film extraordinario Stardust Memories (1980).
Pese a las agudas observaciones de Didion de Manhattan, el pedestal en el que se encuentra no ha sido sacudido. Este no es un film menor, es quizás el más icónico de su carrera si pensamos en la toma del puente donde Allen y Keaton observan su ciudad. La música de George Gershwin es nada menos que sublime, es el primer film de Allen en blanco y negro, lo cual no hace otra cosa que regresar con nostalgia al mito de una de las ciudades más inspiradoras de la historia del mundo. Por cierto, esta es la película donde el 42-años-Woody sale con una adolescente de 17-años Tracy (Mariel Hemingway). Coincide con el momento de su vida donde salía con la actriz adolescente Stacey Nelkin. No se engañen, la película va por otro lado, como es común en su filmografía Isaac (Woody Allen) tratará de acostarse con Mary (Diane Keaton), la novia de su mejor amigo.

7-Sombras y nieblas (1991)
“Shadows and Fog”

 

El gran tributo de Allen a los maestros alemanes del cine expresionista de comienzos del siglo XX (F.W. Murnau y Fritz Lang) y a la obra literaria de Franz Kafka El proceso, la oscura pesadilla de Josef K. atrapado en un sistema que lo condena por cosas que no entiende en absoluto. Kleinman (Allen) es despertado por un grupo de vecinos que se ha organizado para cazar a un asesino serial conocido como el Strangler (estrangulador). Kleinman tiene una tarea muy importante que realizar en el plan para atrapar al asesino, pero nunca le dicen cual es. El circo llega a la ciudad, como el fantasma de una película de Fellini, Kleinman recorrer la tenebrosa ciudad tratando de descubrir qué es lo que debe hacer. La genialidad del film está en la angustia que produce el hecho de no entender que es lo que debe hacer, mientras que todos los personajes con los que se va encontrando lo saben perfectamente. Este film es la gran metáfora, la retórica, la figura literaria; no solo la parodia, cómo lo hizo en Love And Death con los cuentos rusos, tenemos aquí un verdadero esfuerzo poético.

6-Hannah y sus hermanas(1986)
“Hannah and Her Sisters”

 

Tres hermanas se ven enredadas en infidelidades y secretos. Mientras tanto Mickey (Woody Allen), ex esposo de Hannah, se enfrenta a la realidad irrefutable de la fatalidad humana. Destaco este personaje porque es uno de los más interesantes de toda la filmografía de Allen. Mickey un escritor para televisión hipocondríaco va al médico con el temor de tener un tumor cerebral. Cuando los resultados salen negativos sale del consultorio eufórico, pero su alegría dura poco puesto que en ese momento se da cuenta de que algún día morirá. De allí en adelante empieza una delirante búsqueda espiritual.
Hannah and Her Sisters es el regreso a sus serious movies después de Manhattan. Su capacidad dramática ampliamente demostrada le valió su segundo film más nominado a premios.

5-Dos extraños amantes(1977)
“Annie Hall”

 

Nada me ha enseñado tanto sobre las parejas como este film. Considerados por muchos como la obra más sobresaliente de Allen, se impone como una mirada clarificadora sobre las relaciones románticas, lo difíciles que son y lo necesarias. La película recorre la conflictiva relación de Alvy (Allen) y Annie (Keaton), quienes se aman y se alejan en escenas que sorprenden por lo domésticas. El estilo de Keaton marcó una época; la nerd sensual, profesional y femenina, hipster-chic.
Es interesante que Woody no lo tenga al fin en tan alta estima, según ha expresado la película no se convirtió en lo que el esperaba, aun así hay escenas realmente inolvidables, un ejemplo es la entrada al cine donde aparece el filósofo Marshall McLuhan y corrige a un hombre que lo citaba incorrectamente.

4- Medianoche en París (2011)
“Midnight in Paris”

 

Owen Wilson es la mejor interpretación del avatar neurótico de Woody Allen. Gil (Wilson), un escritor norteamericano paseando por Francia descubre que puede viajar en el tiempo hacia la década del ‘20, la edad dorada parisina. Allí se encuentra con algunos de los personajes más enaltecidos de la historia de la cultura: Fitzgerald, Hemingway,Picasso, Dalí, Man Ray, Buñuel, etc.
Esta es quizás la obra más romántica de Allen puesto que trata un tema alto nostálgico como lo es el síndrome de la edad de oro, la obsesión de pensar que todo tiempo pasado fue mejor. Una ironía si pensamos en lo poco que ha cambiado la cinematografía de Woody. El elenco posee una arquitectura pocas veces vista, Tom Hiddleston, Kathy Bates, Adrien Brody, Marion Cotillard, etc. De toda la filmografía, esta película es la más querible, la más likeable.

3-Blue Jasmine (2013)

Si Zelig es la cumbre de su sketch-comedy, Blue Jasmine es la atalaya de sus serious films. Pocos dramas fueron tratados con tanta profundidad y dinamismo como este.
Jasmine (Cate Blanchett) es perseguida por los recuerdos de los últimos años con su esposo. Estas memorias  regresan con fuerza alucinatoria lo que la lleva a estados de locura donde mezcla el pasado con el presente. Jasmine es una mujer de la alta sociedad newyorquina que ha perdido a su esposo y su dinero. Este film es quizás el más contundente en la fimografía de Woody, el trastorno psicológico se vive como muy real gracias a la cinematografía que logra este film con juegos entre la composición y el montaje.

2-Recuerdos (1980)
“Stardust Memories”

 

Este film nace como respuesta a la crítica que no aceptó su exploración dramática y su primer distanciamiento de la comedia. Después de la cruel y relativamente certera carta de Joan Didioan sobre Manhattan, Interiors y Annie Hall, Woody Allen hace una declaración en el personaje de Sandy Bates (Allen) un director de cine de comedia que decide empezar a tratar temas más trágicos, puesto que la realidad es tristemente abrumadora. Allen negó varias veces que este film sea autobiográfico, pero la referencia es innegable. Entendemos la distancia que quiere establecer con el protagonista de su película, puesto que Sandy deja en ridículo a los espectadores de sus películas: muestra como le demandamos idioteces, sobreinterpretamos sus películas y terminamos por perdernos lo más sencillo. Mi escena favorita muestra justamente esto, Sandy sale del cine con una chica después de ver Ladrón de Bicicleta de DeSica y ella empieza a hablar del contexto de posguerra y lo importante que es el devenir histórico para entender el film, a lo que Sandy responde que hay algo universal en todo los films que los seres humanos siempre podemos entender, en el caso de Ladrón de Bicicleta es el hambre. En Stardust Memories es el porpósito. Allen se pregunta si debería dejar la comedia y tratar de hacer un aporte al mundo, la respuesta, en la voz de un alienigena, es “no sos un misionero, no durarías nada. Tampoco sos Superman, sos un comediante. ¿Querés hacer un servicio real a la humanidad? Contá mejores chistes.”

1-Crímenes y pecados (1989)
“Crimes and Misdemeanors”

 

Finalmente, Allen se salió con la suya. El judío pecador y el ateísta culposo se dan cita. Ninguna obra fue nunca tan ortodoxa en su existencialismo. Crimes and Misdemeanors es una película divertidisima y perturbadora. Jodah Rosenthal (Martin Landau) un oftalmólogo judío es extorsionado por su amante, Dolores Huston (Angelica Huston), quien le demanda que deje a su esposa. Mientras tanto Cliff Stern (Allen) un director de cine debe realizar un documental sobre Lester (Alan Alda). Lester está basado en Larry Gelbart (Tootsi, Bedazzled) y tiene frases inolvidables como “La comedia es la tragedia más el tiempo” y “Si se dobla es gracioso, si se quiebra no”.
Es la relación de estas dos historias, la del oftalmólogo y la de documentalista, lo que hace genial esta película.
Dos miradas sobre la vida y la muerte que no pueden reconciliarse y que aún así deben arreglárselas para coexistir y seguir viviendo. Esta es la película que más me ha sacudido, tanto como espectador, como ser humano. Cassandra’s Dream buscó explorar la culpa, la cual es esquiva en este film. No porque se la olvide, sino porque se la supera, se vive con ella. Supongo que es el precio de esta propuesta, es difícil, no sólo para los personajes, sino para el autor salirse con la suya. Crimes and Misdemeanors es la cumbre de su cine existencialista, una cima de la que se baja en los últimos años, a causa del repentino miedo a la muerte.

Por último, este genial diseño de Brandon Schaefer que muestra los distintos lentes que usó Woody en cada una de sus películas.

Woody-Allen-Brandon-Schaefer

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